Durante sua vida curta, mas vibrante, Rafael Santi criou muitas obras-primas, que ainda não são iguais. Ele seguiu os artistas Perugino, Leonardo da Vinci, Michelangelo, mas no final alcançou a perfeição e uma maneira realista inimitável na pintura. Conhecemos a grande variedade de pinturas de Rafael, mas tentaremos escolher as obras mais famosas e bonitas entre elas.
As 20 obras mais incríveis de Raphael Santi:
1
Donna Velata (1516)
Rafael estava no auge de seu trabalho quando pintou um retrato de "Donna Velata" ou "Senhora com um véu". Ele tinha apenas 32 anos.
Margarita Luti, uma garota comum, filha de um padeiro, é retratada pelo artista com apreensão e amor, como era seu senso de vida. Rafael estava tão apaixonado pela garota que ofereceu ao pai um enorme resgate em dinheiro - mais de 3.000 ducados. Fornarina, assim chamada sua esposa Raphael, que significa "pão". O casal ficou feliz. E depois de 6 anos, Raphael morreu de repente. Margarita não aceitou a enorme herança de seu marido e foi ao mosteiro, onde ele era considerado viúvo até o fim de seus dias.
Margarita no retrato é retratada em roupas de delicados tons de bege e rosa, com a cabeça como a de uma senhora casada sob um véu. Santi, apaixonado, transmitia a beleza e o caráter calmo de sua esposa em uma pose refinada e elegante. O rosto de Margarita é tão terno quanto um pêssego, seus olhos são lindos, enormes e são abençoados com felicidade. Um belo pescoço e penteado são decorados com jóias. Margarita é retratada no retrato como uma jóia requintada, e a admiração do mestre por seu modelo é transmitida ao espectador.
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2
A Transfiguração (1516-1520)
Rafael começou a escrever “Transfiguração” para o altar da Catedral de Narbonne, a pedido do cardeal Giulio Medici, mas não o completou, pois morreu de repente de uma doença desconhecida. A pintura foi concluída pelo artista Giulio Romano.
A trama é baseada na história do evangelho quando Jesus Cristo decidiu revelar sua essência aos discípulos. Do céu, os apóstolos ouviram a voz de Deus que Cristo é seu verdadeiro Filho.
Depois disso, Jesus desceu da montanha com os apóstolos, e o infeliz pai voltou-se para ele com um pedido para curar seu filho do diabo que se estabelecera nele.
Rafael retratou Jesus voando acima de tudo, que é um símbolo de sua divindade. Um pouco mais abaixo, no meio da tela - os apóstolos estão esperando por Cristo, e as pessoas se reuniram lá embaixo, esperando um milagre de cura. A parte superior clara e arejada da imagem foi pintada por Rafael, e a parte inferior é mais escura por outra pessoa. Aqui você pode ver a mão do mestre, que escreveu de uma maneira completamente diferente.
3
Madonna Sistina (1512)
Rafael pintou a imagem de Maria e Cristo muitas vezes, mas esse trabalho, destinado ao altar da capela de Sisto II, tornou-se uma verdadeira obra-prima. A imagem de Madonna Santi foi escrita por sua esposa Margarita (Fornarina). Um rosto bonito e inspirado reflete a tristeza universal e a dor de uma mãe que antecipa o auto-sacrifício de seu filho e sua morte pela salvação de toda a humanidade. No topo da foto, cercada por anjos etéreos, Maria está andando, segurando gentilmente a sua mais querida nos braços - o menino Jesus.
O garoto é retratado em plena saúde, com cabelos levemente desgrenhados. Sua aparência angelical contrasta com seus olhos inteligentes para a idade, como se ele já soubesse tudo sobre seu destino. Sisto II e a Grande Mártir Bárbara curvaram-se aos pés de Maria. Abaixo, na borda da tela, como se estivesse espiando pela janela, dois anjos travessos olham despreocupados. Eles não intervêm no que está acontecendo, pois sabem com antecedência o que espera Maria e seu filho.
4
Stanzi (1508-1517)
fresco "Virtudes e a lei."
A pintura (afrescos) dos edifícios do palácio do Vaticano, feita pelo mestre junto com seus alunos, é chamada Stanza della Senyatura (a chamada Sala das Assinaturas). As paredes desta sala estão decoradas com afrescos "Escola de Atenas", "Disputa", "Justiça" e "Parnassus". Um dos mais famosos são os afrescos "Athens School" e "Disput". Você agora aprenderá sobre eles.
5
Escola de Atenas (1508)
Escola ateniense.
Rafael Santi foi um pintor muito famoso entre seus contemporâneos e, em 1508, a pedido do papa Júlio II, foi a Roma para pintar as principais instalações do Vaticano. Um dos afrescos de Stanzadel Senyatur é um afresco que representa a filosofia. É chamada de "Escola de Atenas" e descreve os principais pensadores desde a Grécia antiga. Nos degraus ascendentes da escola ateniense, sob os enormes arcos do centro, Platão e Aristóteles são retratados. Platão aponta para o céu e Aristóteles para a terra, ligando o espaço celeste e o terrestre.
Sócrates conversa com Alexandre, o Grande, Pitágoras no canto inferior esquerdo, no círculo de estudantes, desvenda o teorema. Santi também retratou o grande Michelangelo contemporâneo na imagem de Heráclito. Euclides desenha uma bússola.
Rafael pintou mais de 50 figuras em um afresco. Sobem os degraus do edifício representado, identificando os períodos de desenvolvimento da filosofia e das várias ciências.
6
O afresco "Disputação" (1509-1510)
No centro da composição está a Santíssima Trindade. Deus Pai, Jesus Cristo e o Espírito Santo na forma de uma pomba. Ao lado de Cristo estão sua mãe Maria e João Batista, e depois nas nuvens estão sentados os santos Pedro, Paulo e outros personagens do Evangelho. Abaixo dos afrescos, estudiosos, filósofos e pontífices da igreja lideram um debate teológico.
7
Afresco "Parnassus" (1511)
No início, esse afresco foi chamado de "Poesia", um pouco mais tarde ficou conhecido como "Parnassus", localizado entre o afresco "escola ateniense" e "Disputação". A poesia foi muito valorizada durante o Alto Renascimento e foi considerada arte divina. Em uma colina no centro do afresco, mostra Apolo tocando um instrumento musical moderno - lyre da braccio, que ainda não estava na Grécia antiga. Com isso, Rafael transmitiu a continuidade das culturas. Em torno de Apolo, musas e poetas Homero e Michelangelo, a quem Santi também atribuiu aos grandes poetas.
8
O noivado da Virgem Maria (1504)
O noivado da Virgem Maria é o trabalho mais reverenciado do artista. É uma transição lógica da maneira de pintar a escola de Perugino para uma maneira que supere as habilidades de Rafael e se torne um marco na era do Grande Renascimento.
Rafael foi inspirado pelos afrescos de seu professor Perugino. Ao assinar esta pintura, Santi, já como um verdadeiro mestre, declarou-se confiante ao mundo inteiro.
Os personagens principais da imagem são a Virgem Maria e o noivo, Joseph, que coloca uma aliança no dedo. Um casal está cercado por testemunhas do que está acontecendo. A equipe de floração na mão de José significa que Maria é escolhida por Deus. Os cajados dos outros pretendentes, que se destacam, permanecem os mesmos e são quebrados em desespero.
Esta é uma das pinturas mais famosas de Rafael. O esquema de cores é muito calmo, predominando os tons marrom e amarelo. O vestido vermelho brilhante de Maria significa o sangue de Cristo e a capa azul - sua integridade.
9
O triunfo de Galatea (1512)
O Triunfo de Galatea é um mural pintado por Rafael para o salão de banquetes do banqueiro de Siena Agostino Chigi. Ela retrata a ninfa da calma da superfície da água de Galatea, que voa através das ondas, parada em uma concha desenhada por golfinhos. Ela está cercada por tritões, moluscos e outros personagens marinhos fabulosos. Cupidos circulavam acima deles, mirando em todas as direções com suas flechas. O fresco requintado é cheio de alegria e diversão.
10
O belo jardineiro (1507)
O "Belo Jardineiro" de Rafael descreve a Virgem Maria e dois bebês - seu filho Jesus e João Batista. A adorável jovem Maria é a personificação da feminilidade, maternidade e amor sem limites. Ela é virada para Jesus, ligeiramente inclinada sobre ele. O pequeno Jesus também é todo absorvido em sua mãe, ele pressionou confidencialmente contra ela, e ela o apóia pelo braço e pelos ombros. O idílio da compreensão entre mãe e bebê é enfatizado por suas visões gentis. O pequeno João curvou-se diante de Jesus. Nas mãos dele está uma cruz, como um símbolo do crucifixo.
As figuras se encaixam organicamente na bela paisagem, o que cria uma sensação de leveza e felicidade sem nuvens.
11
As Três Graças (1504)
Presumivelmente, "Three Graces" Santi escreveu aos 17 anos. O que levou Raphael a escrever uma imagem tão complexa em tão tenra idade? Santi ficou sem mãe cedo, e ele sempre foi atraído pela pura imagem da Madona, como um símbolo da juventude e da maternidade. Criando “Três Graças”, Rafael combinou a imagem das deusas antigas e o rosto da imaculada Madonna, pois as graças eram um símbolo de juventude, amor e pureza.
As três graças que identificaram essas belas qualidades exaltadas foram chamadas Beleza, Amor e Inocência. As garotas da foto são jovens e bonitas, seus rostos brilham com pureza e bondade. Eles se apegam um ao outro e cada um na sua mão segura esferas douradas - um símbolo das maçãs da perfeição lendárias obtidas por Heracles. A figura central de uma das graças é virada de costas para o espectador, as duas figuras extremas estão de frente para o espectador, mas seus olhos estão direcionados em direções diferentes. Esta pintura antiga de Rafael é um dos primeiros passos no caminho da perfeição impecável.
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12
"Retrato do conde Baldassare Castiglione" (1515)
O conde Baldassare - diplomata e escritor italiano, foi embaixador do duque de Urbinsky, servido na corte do rei Luís XII da França. Ele foi o autor do livro “Diálogos na Corte”, popular naqueles dias, que descreve costumes e conversas requintadas no curso da Corte Urbinsky formada. Rafael retratou o conde como um homem muito digno e inteligente, como uma natureza inteira. O retrato é pintado em tons de marrom escuro, e apenas a cor dos olhos azuis atrai a atenção. Esse olhar confiante e calmo atrai magicamente o espectador.
13
"Posição na sepultura" (1507)
Entre a nobreza italiana, havia uma tradição, em homenagem a algum evento trágico, de encomendar pinturas de artistas eminentes com a história do evangelho. Essa era a imagem "Posição no túmulo", encomendada por Atalanta Baglioni em memória do filho falecido. Existem muitos desenhos e esboços feitos por Raphael antes de começar o trabalho.
Como resultado de um trabalho tão titânico, nasceu uma imagem com uma composição impecável. Representa dois grupos de pessoas separadas por duas linhas imaginárias que divergem em direções diferentes. As mulheres que acompanham a Virgem estão inclinadas para a direita, os homens carregando o corpo de Cristo para a esquerda. Cristo é retratado no centro. Seu corpo atlético ideal se assemelha a Cristo da escultura "Pietta", de Michelangelo, pois na época o artista ficou muito impressionado com a criatividade desse titã de escultura e pintura.
14
Fornarina (1520)
A imagem é pintada em óleo sobre uma tábua de madeira. Os alunos do artista também participaram deste trabalho. A imagem mostra uma jovem seminua com um cocar requintado. O modelo era a esposa de Rafael, a quem ele chamou com ternura "Fornarina", traduzido do italiano como "pão". De fato, a bela esposa do artista se chamava Margarita Luti. Santi escreveu repetidamente sua amada; ela o inspirou em imagens mais elevadas, como a Madona Sistina.
15
Afresco "A Expulsão de Eliodor" (1512)
A trama desse mural foi emprestada dos textos do Antigo Testamento. O comandante do rei sírio, Eliodor, tentou confiscar ouro do templo de Jerusalém para os pobres. Por isso, Deus o puniu enviando-lhe um cavaleiro de armadura de ouro. O afresco era uma alegoria da derrota das tropas francesas na região papal, sob a liderança do papa Júlio II, que era conhecido não apenas como um excelente comandante militar, mas também como um generoso filantropo. Esse mural se assemelha visualmente ao mural da Escola de Atenas. Em termos de composição, é dividido em duas partes iguais - esquerda e direita. No lado esquerdo, Rafael retratou seu padroeiro Papa Júlio II e uma multidão de viúvas e órfãos, e no lado direito - Eliodor, que é expulso do templo por um cavaleiro em um cavalo branco.
Uma perspectiva lindamente construída da composição transmite a profundidade do espaço, no ponto de convergência de todas as suas linhas, um menor é retratado, indicando que este é o Segundo Templo em Jerusalém. O grande local do evento é enfatizado pela rica pintura dos cofres.
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“A batalha de São Jorge com o dragão” (1504–1505)
Deixando Perugia, o jovem Rafael foi para Florença, onde, cercado por grandes pintores, desenhou novas idéias e métodos de pintura. A pintura “A Batalha de São Jorge com o Dragão” é pintada a óleo em uma árvore e identifica o período de transição entre o estilo da escola da Úmbria, que era linear, e o estilo da escola florentina. Santi ficou chocado com as obras de Leonardo e Michelangelo, seu realismo e profundo significado. A história bíblica sobre o tema de São Jorge, o Vitorioso, foi muito popular, e Rafael não pôde perder a chance de fazer uma pintura sobre esse assunto. cavalo branco George atropela os cascos do dragão, e o santo o perfura com sua lança.
St. George é retratado em armadura medieval e parece mais um cavaleiro. O dragão é representado por um monstro impensável de conto de fadas, combinando partes de vários pássaros e animais. A imagem é extremamente realista, a paisagem contra a qual a batalha está ocorrendo é cuidadosamente escrita, mas não obstrui o primeiro plano. Sua gama marrom-oliva silenciada enfatiza perfeitamente a brancura do cavalo e o brilho da armadura do cavaleiro.
17
Madona do Grande (1505)
Há um artigo muito interessante sobre as mais belas Madonnas de Santi no site TopCafe.su.
"A Madonna do Grande" descreve a história do evangelho mais popular - Madonna e Child. Foi escrito sob a grande influência das obras de Leonardo da Vinci. Isso é especialmente perceptível ao comparar esta imagem com trabalhos anteriores de Raphael. É feito na técnica sphumato, que suaviza os contornos das figuras, transfere ar e espaço. Estudos de restauradores mostraram que anteriormente atrás da Madonna havia uma janela com uma paisagem, como em algumas obras de Leonardo. Mas, posteriormente, a janela foi pintada e o fundo da imagem ficou completamente escuro. Quem fez esse histórico - o próprio autor ou restaurações subsequentes - é desconhecido.
Maria está vestida com um vestido vermelho com uma borda preta, clássica para o século XVI, com um véu azul jogado sobre a cabeça. Essas cores são tradicionais - vermelho significa o símbolo do sangue de Cristo e azul significa a pureza da Virgem. O rosto de Maria está triste e calmo ao mesmo tempo. Em suas mãos, ela gentilmente segura o menino Jesus, que parece uma criança comum, gordinha e forte. Posteriormente, essa imagem que Rafael usou em suas outras pinturas retratando Madonna e Child.
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“Madonna na cadeira” (1515)
"Madonna in the Chair" é uma das pinturas mais bonitas do Renascimento, retratando Madonna e Child. O modelo para a pintura de Raphael foi novamente servido por sua amada modelo, namorada e esposa Margarita. Este trabalho reflete o tamanho e a maturidade do artista.
A forma redonda da imagem suaviza a imagem, torna-a aconchegante e acolhedora. Todo o espaço é completamente preenchido com três figuras - Maria, o bebê Jesus e o bebê João Batista. O menino Jesus ocupa o centro do palco, confortavelmente sentado nos braços de sua mãe. Maria segura seu filho firmemente contra ela, enquanto João Batista olha para Cristo com súplica. As cores brilhantes dominadas pelo ocre azul, vermelho suculento, esmeralda e dourado parecem incrivelmente bonitas contra um fundo escuro. E, apesar de Mary parecer uma mulher terrena comum abraçando seu filho, suas roupas elegantes, sua sublime beleza espiritual enfatizam o alto status da Madonna.
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Retrato do Papa Júlio II (1512)
Existem dois retratos semelhantes do papa Júlio II, um dos quais é a obra original de Santi, e o outro é uma cópia do retrato, feita pelos discípulos de Rafael. Os contemporâneos alegaram que o papa no retrato parece vivo.O manto vermelho do papa parece muito contrastado com um fundo verde-claro.
O rosto de papai está enrugado e emoldurado por uma barba grisalha, seus olhos são pensativos e penetrantes, mas, em geral, a figura de Júlio II ainda está cheia de força e energia. Este homem liderou campanhas militares ativas durante sua vida, mas, ao mesmo tempo, ele era um filantropo incrível que apoiou o trabalho de Leonardo, Michelangelo e Rafael. Um ano após o retrato ter sido pintado, o papa Júlio II morreu, mas permaneceu para sempre na pintura de Rafael. Um papa único, patrono da arte da Alta Renascença.
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Retrato de um jovem (1513-1514)
Presumivelmente, esse é o auto-retrato de Raphael, pois o rosto do jovem é muito semelhante ao único auto-retrato confirmado do artista. Um jovem muito bonito está sentado a meio caminho do espectador. Seus longos cabelos castanhos caíam descuidadamente sobre os ombros, por baixo de uma boina famosa. Um olhar confiante, a pose relaxada de um jovem sugere que ele sabe o seu próprio valor.
Durante a Segunda Guerra Mundial, os nazistas roubaram essa imagem da propriedade dos príncipes Czartoryski (Polônia) e a esconderam em um lugar desconhecido. Por um longo tempo, ela foi considerada perdida. Apenas muitos anos depois, o governo polonês confirmou que a pintura é segura em uma coleção particular.
Posfácio
O trabalho de Raphael Santi é uma herança mundial da humanidade. Este engenhoso criador da Grande Renascença nos deu, seus descendentes, exemplos únicos e belos de pintura. Ele foi reverenciado por seus contemporâneos que, após a morte do artista, escreveram em sua lápide que, durante sua vida, a natureza tinha medo de ser derrotada e de morrer após sua morte.
Era uma lista das pinturas mais famosas de Rafael Santi, de acordo com most-beauty.ru. Continuaremos encantando você com a nossa visão das melhores obras de grandes mestres. Esperamos apenas críticas objetivas de você, bem como desejos e opiniões sobre o trabalho de Santi e outros artistas.